FOTÓGRAFO DE GUERRA

Quería hacer mención a Steve McCurry, que aunque puede que su nombre no os suene, su trabajo estoy segura de que sí. 

Cuando hablamos de fotógrafos de guerra pensamos generalmente en campos de batalla, armas y muertos, hasta que con fotos como las de éste hombre nos damos cuenta de todo lo que la guerra deja tras de sí.

El es capaz de captar en una foto el sufrimineto y la estupefacción que provoca una guerra a través de la mira de una niña afgana.

La famosa foto, que National Geograpic dio a conocer al mundo, fue realizada en el campo de refugiados de Nasir Bagh, en la frontera con Pakistán, tomó la fotografía de una niña afgana que contaba con unos impresionantes ojos verdes que contaban la crudeza y la tristeza de una invasión soviética devastadora para su país que además la dejó huérfana. 

En sus fotografías destaca la transparencia de las miradas de los niños que las protagonizan, a través de las cuales muestran sus sentimientos y sus vivenias al resto del mundo.

PAULA MARTÍNEZ GARCÍA

FOTÓGRAFOS ORIENTALES

Si algo tienen en común los fotógrafos orientales son sus críticas a la sociedad, tanto en sus países de origen como a nivel global. Son trabajos con un mensaje implícito. Reivindicativo en muchos casos.

El fotógrafo oriental que más está dando que hablar últimamente es Nobuyoshi Araki, que por lo general retrata a mujeres desnudas en poses poco decorosas.

 A menudo se ha tachado su trabajo de machista y misógino, aunque otros aplauden su arte. Sea como sea, su obra nunca está exenta de polémica.

Otro fotógrafo oriental, en este caso de origen chino, es Weng Fen, que a través de su obra realiza una crítica a la sociedad, basándose en la pérdida de la identidad que está sufriendo china debido a su crecimiento y desarrollo.

Son imágenes muy simbólicas a la vez que estéticas.

Por último, el trabajo del fotógrafo japonés Yutaka Katanashi sigue la misma estela, aunque con claras diferencias.  El escenifica su crítica a la sociedad de forma mucho más espontánea, tomando instantáneas de lo que él define como el Tokio oculto, que muestran el cambio social que está sufriendo esa sociedad.

PAULA MARTÍNEZ GARCÍA

FOTÓGRAFOS PUBLICITARIOS. TIM WALKER

 

Tim Walker nació en 1970 en Inglaterra, actualmente vive en Londres. Es un fotógrafo de moda, se le considera por ser uno de los fotógrafos más personales, atípicos y sorprendentes del panorama fotográfico actual.

A sus fotografías se les caracteriza por ser teatrales y disponer de una cuidadísima puesta en escena.

Tiende a retratar paisajes surrealistas y fantasiosos con modelos que se convierten en mágicas ninfas o simpáticas protagonistas de una telenovela. La organización extravagante y los adornos románticos de sus fotografías  caracterizan su estilo inequívoco. 

Respecto a sus trabajos en 1994 trabajó como ayudante de fotografía freelance con Richard Avedonen(fotógrafo). Definitivamente, su carrera despegó cuando quedó en tercer lugar  del premio Independent Young Photographer of the Year. Desde entonces colabora habitualmente con revistas como Vogue, W o Harper’s Bazaar, Barney’s, Neiman Marcus, KateSpade y Comme des Garçons.

El Museo de Albert y Victoria y la Galería de Retrato Nacional en Londres incluyen las fotografías de Tim Walker en sus colecciones permanentes. Su primera exposición la realizó en el Museo de Diseño en Londres en la primavera 2008, coincidiendo con la publicación de su libro 'Cuadros'.

Finalmente, respecto a los últimos premios, en noviembre de 2008 Tim Walker recibió el Premio de Isabella Blow para el Consejo de Moda británico y en mayo de 2009 recibió un premio del Centro Internacional de la Fotografía en Nueva York para su trabajo como fotógrafo de moda. En 2010 Tim fue ganador de un Premio de ASME para su Revista W.

ESTHER BASCÓN REINA

FOTÓGRAFOS PUBLICITARIOS. Helmut Newton

Helmut Newton es uno de los fotógrafos más prestigiosos del siglo XX, supo crear un nuevo estilo, muy personaL en sus fotografías, nació en 1920 en Alemania. 

A sus fotografías se les caracteriza por la presencia del glamour y la seducción de las mujeres, siempre estas modelos se encuentran en ambientes lujosos.
Son característicos de su obra, los desnudos femeninos y los tacones de aguja.

Respecto a los orígenes de su carrera, todo empezó cuando el decidió abandonar su país de origen en la época de la Alemania Nazi, ya que era judío, por ello se marchó a Singapur donde comenzó con su carrera fotográfica trabajando en un diario. Más tarde fue deportado a Australia, donde fue alistado por el ejército nacional hasta el final de la II Guerra Mundial.

A pesar de todo esto, Helmut nunca dejó de luchar, por lo que optó por abrir su propio estudio de fotografía. Más tarde, para especializarse en el campo de la moda decidió marchar a Londres durante dos años.

Después viajó a París, donde fijó su residencia, para trabajar en revistas especializadas en moda como Vogue o Elle.

Fue en la capital francesa donde su carrera como fotógrafo de moda dio el gran salto a la fama, en esta ciudad fue donde logró convertirse en uno de los profesionales más exitosos de la fotografía de moda.

Para concluir, recordar que Helmut fue el creador de  estilo peculiar, distinto, propio, en el que destacaban sus imágenes sumamente sofisticadas, a la vez que sensuales,él lograba  captar la belleza como nadie;razón por la cual sus retratos fueron portadas de las más célebres revistas.

En Berlín existe la Fundación Helmut Newton, donde se puede ver toda su obra y conocer algunos de sus objetos personales.

Desde mi punto de vista, admiró el trabajo de Helmut Newton, pero algunas de sus fotografías son machistas, ya que muestra a mujeres
completamente desnudas como objeto de deseo, sin significado alguno más allá del erotismo.




ESTHER BASCÓN REINA

ANÁLISIS FOTOGRÁFICO. El color en la publicidad.

EL color es una característica, que tiene que saber usar tanto un publicista como un fotógrafo, ya que el resultado no es el mismo con un color u otro.

Esta importancia es debido a que el color dota de significado a las imágenes, el verde esperanza, el rojo pasión, el oro significa fortaleza,  el azul frialdad etc.  Pero curiosamente el significado de estos colores puede variar según el contexto de la imagen.

 

Observando ambas imágenes, comprobamos que en las dos ha sido aplicado un filtro azul, exactamente en el primero un azul oscuro y en la segunda, un azul turquesa. El azul puede significar: frialdad, verdad, armonía, silencio, naturalidad, etc.

En la imagen del anuncio de Absolut se transmite frialdad, silencio, exclusividad, ya que aparece la botella aislada, para aportar este significado también ha influido el negro.

En cambio, en la segunda imagen,  no se transmite tanta frialdad o silencio, desde mi punto de vista se transmite armonía, naturalidad, etc.

El significado de estas imágenes no habría sido el mismo, con planos diferentes o colores diferentes, ya que en el caso de Absolut, si el color utilizado hubiese sido amarillo, se habría interpretado de una manera completamente diferente.

En relación con la fotografía, se debe de considerar al color como a una experiencia sensorial, es decir, se ve una cosa u otra en función de la energía luminosa reflejada en los objetos, por lo tanto según la cantidad de luz, obtendremos significados diferentes.

En este caso, la primera imagen es ideal para un anuncio de cosméticos, ya que transmite la pureza de la piel, es una foto clara y natural. En cambio, la segunda imagen no sería la correcta para transmitir esta pureza, ya que es demasiado oscura, de ahí la importancia de la luz.

 

  Finalmente,  respecto al color considero de suma importancia tener en cuenta estas características para su tratamiento: 

1. El tono o matiz: es el lugar que un color ocupa dentro del espectro cromático => lo que permite diferenciar un color de otro.
2. El valor o brillo: es el carácter más claro o más oscuro de un color mediante la adición de blanco o negro.
3. La Saturación o intensidad: indica la pureza relativa de un color según disminuya o aumente su contenido de gris.

Por último señalar, que el color no sólo se utiliza para dotar de significados a las imágenes, sino también para destacar unos objetos frente a otros, para dotar de contraste cromático a las imágenes, ritmo, etc. Ejemplos:

ESTHER BASCÓN REINA

FOTÓGRAFOS PUBLICITARIOS. Tres títulos básicos en la colección de un fotógrafo

La monografía de Diane Arbus.

Hermana del poeta Howard Nemerow y discípula de la fotógrafa austriaca Lisette Model, Diane Arbus se dedicó a recorrer los peligrosos barrios de Nueva York en busca de personajes a los que retratar, escogiendo a personas marginales: enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo…

En 1971, después de una larga depresión, Diane Arbus se suicida. Un año más tarde su trabajo es seleccionado para participar en la Bienal de Venecia, siendo la primera fotógrafa estadounidense en ser seleccionada, y el MOMA de Nueva York organiza su primera gran retrospectiva.

La fotografía de Diane Arbus es directa, con predominio de los retratos basados en la observación, haciendo que todos los personajes parezcan extraños, tanto sus fotografías de Freaks como de personajes de la calle. Siempre hay una cierta tensión en la mirada, como esperando el momento en que la fotógrafa dispare la foto.

Este año se cumplen cuarenta años de su primera edición y la editorial Aperture lanza una nueva edición donde podemos apreciar que, en todo este tiempo, las fotografías que contiene este libro no han perdido nada de su fuerza original.

Uncommon Places de Stephen Shore

Fotógrafo desde los 9 años, Stephen Shore fue un pionero en el uso de la fotografía en color.

Su libro Uncommon Places, se convirtió en una especie de biblia para los nuevos fotógrafos que usaban el color, ya que su trabajo junto al de otros fotógrafos, probó que la fotografía en color como la pintura o la fotografía en blanco y negro puede ser un arte.

El trabajo de Shore se caracteriza por sus inexpresivas imágenes, escenas banales y objetos sobre los Estados Unidos.

Actualmente, es el director de fotografía del Bard Collage en Massachussets.

Guide de William Eggleston

Influido por Robert Frank y el libro “El momento decisivo” de Henri Cartier-Bresson, Eggelston comenzó a experimentar con la fotografía en color, aunque ya había realizado varios trabajos en blanco y negro.

En los 70’s, mientras daba clases en Harvard, descubrió el proceso conocido como Dye-transfer a través de un anuncio de laboratorios fotográficos, al llamar su atención se dirigió al laboratorio con el fin de averiguar cómo era el procedimiento y quedó impresionado por la saturación de colores y las calidades de las tintas. Una de sus obras más conocidas realizadas por este procedimiento se titula The Red Ceiling.

En 1976 realizó una exposición en el MOMA que armó escándalo, y comenzó a moverse por los ambientes del arte pop debido a su relación con una de las musas de Andy Warhol, lo que le ayudó a difundir su concepto de que cualquier cosa queda representada del mismo modo por la óptica de la cámara, conocido como Democratic Camera, que también ha sido el título dado a la más importante exposición retrospectiva realizada sobre su trabajo.

PUBLICADA POR Marta Carrión Páez

ACTUALIDAD FOTOGRÁFICA. PhotoEspaña en Madrid

Del 6 de junio al 22 de Julio se vuelve a celebrar una edición de PHotoEspaña en Madrid.

En esta ocasión se van a poder ver más de 70 exposiciones de 300 artistas de 45 países diferentes.

Una de las exposiciones más esperadas de este XV festival de fotografía y artes visuales será la que recogerá en el Fernán Gómez fotografías de artistas que pasaron por la Factory Warhol.

Entre los fotografos que van a participar en esta edición de PhotoEspaña se encuentra Santiago Sierra, Chen Chieh-Jen, Alberto García-Alix o Helena Almeida.

La temática de la sección oficial y su contexto será llevado a cabo por Gerardo Mosquera, comisario general del festival, a través de diez muestras colectivas y cinco individuales. 

Aquí os muestro el vídeo promocional de este festival;

http://www.youtube.com/watch?v=e0JW0RyRdeI

MIRIAM AGULLÓ GINER